Dessin au Louvre

Une séance de dessin au Louvre. J'ai choisi un buste situé entre la cour Puget et la cour Marly. l'éclairage me semblait très intéressant, avec beaucoup d'ombre. http://www.louvre.fr/oeuvre-notices/marie-serre

1. L'intention.

j'avais construit un viseur afin d'avoir des proportions correctes d'un portrait. Malheureusement, je me suis vite aperçu que ce n'était pas praticable. Je n'avais pas de chevalet droit. J'étais assis à même le sol. Je me voyais mal tenir de la main gauche mon viseur et dessiner de la main droite. Donc j'ai commencé à essayer de dessiner au jugé...

2. l'exécution. 

Cela avait pourtant bien commencé...

Afin de juger les défauts voici la photo du buste.

 avec un détail sur le visage.

3. la suite.

Ce n'est que dans un second temps que les ennuis ont commencé. J'ai mal jugé le bas du visage.

 J'ai réussi quelque peu à rattraper mais pas avec une satisfaction totale.

C'est dans des moments comme cela qu'on apprend énormément.

4. Réflexion sur l'amélioration de ma technique.

Malgré les nombreuses erreurs que j'ai pu commettre, ou je devrais dire grâce à elle, j'ai appris énormément.

A. Considérations physiologiques et ergonomiques

tout d'abord, si on n'est pas confortablement installé, la concentration diminue à vitesse grand V. J'étais assis à même le sol, près d'une grille d'aération, par conséquent je n'étais pas dans les meilleures dispositions. Ensuite, je voulais utiliser mon viseur pour avoir des proportions correctes. Bien mal m'en a pris. Impossible d' utiliser mon dispositif. J'étais trop bas, beaucoup trop en contre-plongé. Je ne pouvais à la fois tenir mon viseur et à la fois dessiner. Je faisais des va et vient continuels, ce qui au final était prodigieusement énervant. 

 B. Considérations techniques

a. Les proportions.

J'ai donc décidé de passer à autre chose et d'essayer de commencer par les yeux et de construire progressivement à partir de l'orbite oculaire mes autres traits. En fait j'aurais dû faire autrement et essayer de délimiter le contour dans un premier temps. J'ai changé d'avis en cours de route car j'avais l'impression de ne pas y arriver. Je me suis dit qu'il fallait que je choisisse et rester cohérent. Donc j'ai opter pour une construction progressive. Le problème c'est que dès que vous commencez à faire une erreur, elle se répercute sur le reste du dessin car les traits suivants sont construits à partir des traits précédents. ce qui mène à une élongation ou à un rétrécissement des proportions. Ici, j'ai eu un rétrécissement du bas du visage.

néanmoins j'ai décidé de passer outre et de continuer malgré tout.

b. Le rendu et les ombres.

J'ai essayé de rendre le plus fidèlement possible les ombres portées. Et j'ai découvert ce que voulais réellement dire une expression telle que "core shadow", "ombre tangentielle", "séparation entre l'ombre et la lumière". Je connaissais le concept qui disait que sur une sphère l'ombre est la plus sombre en valeur près de la tangente de la lumière qui frappe la sphère. Mais franchement je n'y croyais pas trop parce que je ne l'avais pas réellement observé, ou du moins si faiblement observé que on entrait dans des considérations trop  subtiles. Mais là, j'en ai eu une démonstration flagrante et indéniable. Leçon apprise et retenue définitivement : surtout faire attention à l'éclairage et aux lignes d'ombre et de pénombre.

c. Que faire ?

Dans un premier temps, il faut que je recommence le dessin de Marie Serre en me concentrant sur les proportions avec la technique de l'enveloppe. Il faudrait dans l'idéal se rendre de nouveau au Louvre mais je ne pense pas que cela soit possible dans les jours suivants. Ensuite prendre son temps...

d. Ce que j'ai appris et découvert.

j'ai compris l'utilité de changer de vision positive en vision négative. Cela permet de voir les ombres et les zones claires et de les dessiner alternativement. Quand une difficulté apparaît on peut toujours se raccrocher soit à zone claire soit à une zone d'ombre.Très efficace et une première compétence acquise !

fleurs pas à pas

Il n'y a qu'une manière de progresser : la pratique. Le mieux est évidemment de dessiner sur le vif, avec l'objet désiré devant soi. Les photos permettent de s'habituer lentement au dessin et aux techniques mais ce n'est guère satisfaisant sur le long terme. Je ne suis pas fan particulièrement des fleurs mais je n'avais que cela à disposition. voici le résultat :

1. la mise en place.

j'ai choisi un éclairage en contre plongé pour donner un peu plus de "mordant" au dessin. Vous remarquerez le verre de bière vide qui n'a rien à faire ici :)

2. la première étape.

l'emplacement et le choix du sujet dessiné.

 3. La progression.

 Il manque un petit je ne sais quoi...

 

Semaine de formation N°3

La troisième semaine de formation vient de s'achever. J'ai soumis les dessins suivants à la correction. Ici, il est question de travailler sur les premières étapes d'un dessin. Les dessins ne sont donc pas achevés car il est ici question de mettre en forme les proportions et les masses d'ombres. La semaine prochaine il s'agira de choisir un des dessins et de le finir. Je pense que je choisirai le troisième (un iris) ou le quatrième (un bouquet de fleur.

Ce dernier dessin a été effectué à l'envers. A l'envers ? mais pourquoi donc me direz vous ? Tout simplement pour essayer de déconnecter le dessin de toute pensée critique excessive. On dessine une forme et non un visage, une figure, etc... 

A la semaine prochaine pour le dernier message de cette formation de 4 semaines.

Un dessin

Une envie de dessin sur le vif comme on dit... J'en avais marre de faire des dessins d'après photo alors j'ai pris la première chose qui me venait sous la main : une petite fleur orange.

crayon graphite, env. A4

La deuxième semaine de formation

Désolé de publier beaucoup moins. Le matériel informatique me cause des soucis en ce moment. Il est vrai aussi que je suis bien occupé par cette formation, qui me demande beaucoup de travail. Ci-dessous vous pouvez voir les exercices que j'ai soumis cette semaine.
Je recommande fortement cette formation avec Sarah Parks, drawing secrets revealed, section 1, pour au moins une bonne raison : la disponibilité et le professionnalisme de la formatrice. Ses commentaires sont toujours bien argumentés, on sent qu'elle a vu, réfléchit à ce que vous avez fait, analysé en profondeur votre travail. Non seulement elle est très disponible (autant que le décalage horaire puisse le permettre), mais en plus elle vous encourage à chacun de vos pas. Je le répète, si vous voulez progresser rapidement, inscrivez vous rapidement à ce stage.

Dans un premier temps, il était question de dessiner à main levée des figures géométriques simples, la sphère, le cylindre, le cône, le cube/rectangle et la pyramide. Bien sûr, il fallait de même les ombrer. Tout cela, évidemment, à partir de photos.

Comme je cherche à faire mieux, j'ai utilisé une vrai sphère en polystyrène que j'avais dans mon bazar, que j'ai éclairé correctement et hop c'est parti. Il est vrai qu'il faut que l'ombre portée soit un peu plus atténué sur les bords pour que cela soit plus réaliste (comme Sarah, me l'a fait remarqué). C'est beaucoup plus difficile à dessiner, mais bien plus intéressant.

 Voici mes essais pour dessiner les vases de Rubin. C'est plus difficile qu'il n'y paraît...

En option, nous pouvions faire la reproduction d'un chien. Ma première tentative est plus représentative de ce qu'on appelle un aspect "esquisse", plus qu'un dessin.

Mais je n'étais pas trop satisfait par ce que j'avais fait. Conclusion, je l'ai de nouveau dessiné en prenant plus mon temps et en essayant de mettre en pratique ce que j'avais appris jusqu'à maintenant. (Vous pouvez toujours cliquer sur l'image pour l'agrandir.). Le résultat ci-dessous.

Le début de la formation

C'est bon, j'ai commencé les cours de Sarah Parks, Drawing secrets revealed, section 1. J'ai fait les exercices et je les ai soumis à la critique. Les voici ci-dessous :

 

Pêle-mêle vous pouvez voir la copie d'un portrait de l'actrice des années 1940 Gene Tierney, différents entraînements à la façon de tenir le crayon, quelques exercices toujours au crayon graphite (2H, H, HB, B, 2B, 4B, 6B et 8B )du contrôle des valeurs, ainsi que des hachures et contre-hachures. Riches et nombreux comme exercices.

Par ailleurs, j'ai eu le compte-rendu de mes exercices :" Jérôme, Excellent portrait of the 1940’s actress Gene Tierney.  [...]  Your face is drawn really well and you achieved a good likeness.[...] Your tonal scales are really nice and the hatching and cross-hatching are sensitively done.  You were very thorough in practicing the different pencils with the different pencil grips." Eh bien, je commence bien... Surtout ne pas relâcher les efforts.

Copie de J W Waterhouse

Toujours dans ma quête des techniques de peinture et dans son apprentissage. Parce que la peinture à l'huile demande des temps de séchage entre les couches, je me suis attelé à la copie d'un artiste pré-raphaëlite John William Waterhouse. J'ai choisi son oeuvre I am half-sick of shadows, said the lady of shalott peinte en 1916.

  J'avais acquis il y a de cela quelques temps cette vidéo expliquant le processus. Je m'y suis mis finalement plein d'entrain et je mesure petit à petit la difficulté de la chose. C'est effectivement passionnant à tel point que le temps ne s'écoule plus lorsque je suis absorbé dans cette réalisation.

La première phase consiste à à reproduire directement au pinceau les contours avec un mélange d'oxyde rouge transparent et de noir d'ivoire fortement dilué. J'ai commis plusieurs erreur à ne surtout pas faire si vous décidiez de suivre le même chemin que moi.

• tout d'abord, bien apprêter son support. Je l'avais fait il y a longtemps et franchement le résultat est décevant. Il est irrégulier et absorbe trop la peinture. ce qui fait que les traits effectués s'élargissent lorsque vous peignez.
• utiliser une reproduction de taille égale ou équivalente pour la copie. Cela évitera de faire continuellement des calculs ou des comparaisons tel que "alors là c'est à la moitié ou plutôt au deux cinquième de ce point, etc..." il y a suffisamment à faire avec le mélange des couleurs et l'application au pinceau pour ne pas s'encombrer l'esprit.

• utiliser un pinceau fin car il s'agit de faire les contours et non de remplir. Dans un second temps on utilise un pinceau plus épais pour appliquer les valeurs.

 La photo n'est pas terrible car il y a une distorsion de l'image. Cette première phase est loin d'être fini et un certain nombre de correction sont à effectuer. J'avance petit à petit.

première tentative 2

Je fais les choses un peu à l'envers mais bon... voici les photos de mon installation pour peindre ma première nature morte :

Cela ressemble à un agglomérat de bric et de broc mais bon ça fonctionne plutôt pas mal. Ce qui donne au final ceci:

 J'ai modifié la peinture pour que cela colle plus à la réalité mais en publiant je m'aperçois qu'il y a encore un petit défaut sur le coté droit du pot. Par contre le coté gauche est plutôt un succès.

Je suis resté volontairement dans le même concept de composition pour réduire les difficultés et se concentrer sur le processus.

Formation

J'ai décidé de suivre une formation plus cadrée et plus avancée en dessin. A cette fin je me suis inscrit sur ce site américain (Artistnetwork University) de formation en ligne. J'aurai aimé suivre des cours autrement, en direct avec un prof réel, mais cela ne m'est pas possible avec mon emploi du temps. 

Je vais suivre les cours de Sarah Parks pendant 4 semaines à partir du 7 septembre. Vous pourrez suivre pas à pas les exercices que je vais effectuer et rendre chaque semaine.

 Le cours que j'ai décidé de suivre se nomme Drawing secrets revealed, section 1. Si vous souhaitez suivre ce cours avec moi, nous pourrions comparer nos exercices.

J'ai d'ors et déjà commencé grâce au course syllabus qui décrit la formation :

Lesson 1: Getting Started

• Watch the video, “Lesson 1 – Getting Started.” (Remember, there are several practice activities at the end. This encompasses optional exercises.)  You can only submit each week’s homework ONCE, so make sure you include ALL parts of the homework assignment when you submit in Blackboard.
• Homework Assignment Part 1: Practice the tonal scale with your various H and B pencils.  (The example can be found in the “Practice Before Next Lesson” section at the end of the Lesson Summary.) Vary the pressure of your grip to get familiar with the shading qualities of these pencils, pressing hard and lightly, angling your pencil, etc.
• Homework Assignment Part 2: Then practice hatching and cross-hatching following the sample chart in Fig. 1-2 in the Lesson Summary.

 Et oui je commence fort ! Je ne sais pas encore ce que contient les chapitres "practice before next lesson " mais je me suis dit que cela ne devrait pas être trop éloigné de ce que j'ai fait dans cet exemple. Le cours n'est pas commencé que je m'entraîne déjà sur les exercices ! Quand on est motivé on en trouve du temps...(J'ai arrêté la télévision....).

Par la suite, j'ai comme projet de suivre les section 2 et section 3 qu'elle propose. Ensuite, je vais essayé de suivre ce cours de Lance Richlin, pendant 8 semaines. Il est l'auteur de ce livre: Portraits réalistes. Nous aurons le temps d'en discuter de nouveau dans un prochain message.
Cette année devrait être particulièrement chargée.

Les dessins préparatoires

Avant de me lancer dans la peinture du pot dont vous pouvez voir la photo ici-bas, j'ai fais des dessins préparatoires. Je me suis dis que si je le dessinais plusieurs fois sous différents angles, je pourrais mieux le comprendre et mieux le peindre. Pourquoi pas, c'est une voie de connaissance comme une autre après tout. 

Ensuite pourquoi un pot ? Il se rapproche assez de ce que j'ai peint précédemment et par conséquent je peux utiliser directement l'expérience acquise il y a peu. Je me concentrer sur le passage de la réalité à la peinture, plutôt qu'à faire d'autres recherches de couleurs, de composition, etc...

la photo du pot :

 

les dessins préparatoires : 

le premier dessin a été effectué au graphite et les suivants au feutre Uni-Pin.

 

première tentative

Récemment, vous avez vu ma première tentative de peinture à l'huile. J'avais acquis il y a quelques mois une méthode pour peindre à la manière Flamande.Cette peinture est le résultat de son application tant bien que mal car de nombreux sont restés sans réponses à la relecture du dossier.

Je vais essayer ici de décrire la méthode que j'ai utilisé pour peindre ma première nature morte (ouh que je n'aime pas ce terme...)avec de la peinture à l'huile d'un sujet réel et non photographié. Ce qui devient nettement plus difficile.

1. préparation du support.

j'ai utilisé un papier spécial peinture à l'huile. de la marque Canson figueras . Je l'ai recouvert de 3-4 couches de gesso acrylique que j'ai poncé au papier de verre fin. (Je reverrai cette méthode plus tard, je pense car le fini ne me convient pas trop.)

2. Une première sous-couche.

Elle se nomme imprimatura selon la tradition. C'est un mélange de noir d'ivoire et d'ocre jaune pour obtenir une sorte de couleur vert olive et très dilué au médium. J'aurai peut être dû utiliser un solvant comme l'essence de térébenthine mais bon je tâtonne.

3. Le dessin à la terre d'ombre brulée

j'ai commencé à peindre les silhouettes de l'objet et de son ombre. J'ai, de plus, essayé de commencer à établir les premières ombres..

La suite un peu plus tard...